القصة الكلاسيكية للفن الحديث تسير على النحو التالي: كانت هناك مدينة تدعى باريس، حيث التقى ألمع فناني العالم، ويتدافعون ويختلطون في طليعة عالمية. ثم غزت جيوش هتلر، وغادر الجميع. هاجر أندريه بريتون، ومارك شاغال، وماكس إرنست، وفرناند ليجر، وبيت موندريان والعديد من الشخصيات البارزة الأخرى إلى أمريكا، وبحلول الوقت الذي انتهت فيه الحرب، أصبحت نيويورك العاصمة الجديدة للفن.
هذه الرواية ليست خاطئة تمامًا، لكنها تفتقر إلى الدقة. كانت باريس في الخمسينيات بعيدة كل البعد عن الموت. عادت العديد من عمليات زرع الأعضاء إلى هناك بمجرد تحريرها. قام جنود الحلفاء الذين تم تسريحهم بالفعل والموجودين في أوروبا بخط مباشر لسان جيرمان. وتدفق المغتربون الأمريكيون، الذين ظلوا بعيدين عن القارة لفترة طويلة، ووجدوا أن تكلفة المعيشة يمكن التحكم فيها وأن إغراء المدينة لم ينطفئ. تسلل بعضهم إلى المشاغل الباريسية وتتسللوا إلى طاولات المقاهي إلى جانب سارتر ودي بوفوار.
الأميركيين في باريس، في المساحة الجديدة والمتجددة الهواء لمتحف جراي آرت في كوبر سكوير، يستحضر تلك الأيام من النبيذ الرخيص ودخان السجائر ورائحة حرية ما بعد الحرب. لقد أصبحت نيويورك، على الرغم من ديناميكيتها، طغيانًا فنيًا، حيث تم إعلان وتطبيق المعتقدات التعبيرية التجريدية من قبل النقاد التحقيقيين كليمنت جرينبيرج وهارولد روزنبرغ. حتى أصغر تلميح للتشبيه أسقط الاتهامات بالردة. تعرض ويليم دي كونينج لهزيمة ساحقة عندما عرض سلسلته من “النساء”.
ومع ذلك، فإن اختصاص المحكمين لم يمتد عبر المحيط الأطلسي، لذلك وجد المتمردون مثل إلسورث كيلي وجوان ميتشل في باريس ملجأ مريحًا يمكنهم من خلاله تحدي القواعد. إلى جانب متابعة الأسماء الكبيرة، يقدم لنا المعرض أيضًا الرسامين والنحاتين الذين لم يتمكنوا من تحديد مكان لهم في عالم الفن في وطنهم. البعض ما زال لم يجد طريقه إلى الشريعة.
على سبيل المثال، درس إد كلارك في مدرسة معهد شيكاغو للفنون حول مشروع قانون الجنود الأميركيين، لكنه ذهب للبحث في الخارج عن فترة راحة من العنصرية (على الأقل من النوع الأمريكي). تمزج لوحته الرائعة “المدينة” (1953) بين الألوان الرنانة والأضواء الساطعة مع إحساس بالفوضى الرشيقة. لهجات كلارك الإيماءات المجردة مع حجاب التمثيل. يمكنك اختيار واجهات المحلات والملصقات وأضواء النيون والإعلانات وسط الضجة العامة. تمزج اللوحة بين التدقيق الدؤوب والتجربة العاطفية للحياة الحضرية. (بعد سنوات من بيع العمل، أدرك كلارك أهميته متأخرًا وتمكن من شرائه مرة أخرى لابنته).
كان هذا المزيج من الملاحظة مع الشعور ذو أصل فرنسي جيد. قام مونيه بتقطيرها في زنابق الماء الأخيرة التي رسمها في جيفرني. جوان ميتشل، التي زارت فرنسا لأول مرة في عام 1948 وعاشت هناك لعقود من الزمن، جمعت أيضًا بين الدراسة الدقيقة للطبيعة والمناظر الطبيعية الداخلية المضطربة، وحوّلت مناظر حديقتها إلى تجريدات نباتية مفعمة بالحيوية. اثنان من ميتشلز بدون عنوان، كلاهما من عام 1960، مهزومان بشكل مذهل، مع اللون الأخضر والرمادي والأزرق الذي يستحضر نباتات دائمة الخضرة مغطاة بالثلوج أو حمامات ربيعية حيث يمكن للطيور المهاجرة أن تستريح أجنحتها.
حتى على بعد آلاف الأميال من صالات العرض في وسط المدينة، كان على ميتشل أن يعاني من لسعة التحيز في نيويورك. عندما حضرت جرينبيرج عرضها الفردي الأول (والأخير) في جاليري نيوفيل في باريس، نصح مدير العرض على الفور “بالتخلص من هذا الرعب الإيمائي!” ظل الازدراء عالقًا: أمضت ميتشل معظم حياتها المهنية في حالة من التجاهل. في الآونة الأخيرة فقط حصلت على قدر ضئيل من الاعتراف المبرر (بعد وفاتها).
وانضمت إليها في غياهب النسيان شيرلي جافي، التي تبدو لوحتها القماشية التي لا تحمل عنوانًا والتي تعود إلى عام 1954 وكأنها مدينة يراها طائر قصير النظر من خلال شق في السحب. توفيت جافي عن عمر يناهز 92 عامًا في عام 2016، وكانت مواهبها واضحة ولكن لا يزال غير معترف بها إلى حد كبير.
بالنسبة لبعض الأشخاص الذين تم زرعهم، قدمت باريس ازدهارًا أوليًا كفنانين طالما أرادوا أن يكونوا؛ بالنسبة للآخرين، الأكثر رسوخًا، كان يمثل فرصة للتغيير والتغيير. عندما وصل بوفورد ديلاني إلى هناك في عام 1953، كان معروفًا بصوره الواقعية على طراز عصر النهضة في هارلم لكل من WEB Du Bois وDuke Ellington، والأهم من ذلك، جيمس بالدوين. لقد رسم بالدوين المراهق على أنه أبولوني عارٍ في “Dark Rapture” (وهو ليس في العرض)، وكلاهما هجر قرية غرينتش إلى باريس هربًا من العنصرية ورهاب المثلية.
قام ديلاني بتغيير أسلوبه بشكل جذري، حيث تجول في مجالات الألوان الواضحة. “بدون عنوان” (1961) و”تجريد الضوء الأزرق” (1962) يستحضران بشكل غنائي سماء تلمح من خلال الأوراق المتلألئة والفروع المتمايلة. مثل ميتشل وجافي (ومونيه)، انغمس ديلاني في العالم الطبيعي، وقام بتصفية تصوراته من خلال حجاب تصويري.
رأى ليون جولوب وزوجته نانسي سبيرو أن ميلهما إلى تصوير الأشخاص، وهو ما جعلهم منبوذين في الولايات المتحدة، لن يثير قلق الفرنسيين. انتقلوا في عام 1959 ووجدوا بيئة متقبلة بما يكفي لرعاية بعض أفضل أعمالهم التصويرية. تنحدر لوحة جولوب “الجذع الثالث” (1960) من اليونان القديمة، معبرة عن اعتقاده بأن التنفيس العنيف للنحت الهلنستي كان له صدى مع الصراعات الوحشية في القرن العشرين. يستعرض الجسم بلا رأس، بلا ذراعين، وبلا أرجل جزئيًا أهوال الحرب، لكن نسيجه الذهبي المطلي يقدم خلاصًا زخرفيًا. إن الابتعاد عن موطنه الأصلي لا يعني أن جولوب قد تم نسيانه: فقد أدرجه متحف الفن الحديث في عرض عام 1959 صور جديدة للرجلوعلى الرغم من انتقاد النقاد في نيويورك لمساهمته، فقد استحوذ المتحف بحكمة على لوحة “Torso, III”.
كما تبنى سبيرو أيضًا موقفًا من الغضب الفاتن. ثلاث شخصيات بيضاء مجنحة ذات وجوه مثل الملائكة الجنينية تدور من الظلام، وتحمل الرسالة التنبؤية للعنوان: “Les Anges، Merde، Fuck You.” السماء خارجة لتأخذنا. من ناحية ما، هذه إجابة يائسة على السؤال الذي طرحته سبيرو على نفسها: “ماذا يمكن للمرء أن يفعل كفنان عندما يرى كل أعمال العنف التي تُرتكب في العالم؟”
ربما هناك نص فرعي آخر أيضًا. كان جولوب وسبيرو يربيان ثلاثة أبناء صغار في باريس، ويمكن لأي والد أن يتخيل مدى الإحباط الذي كان يشعر به العمل بميزانية محدودة في بلد أجنبي بينما كانا يحاولان العمل. من المؤكد أنه لم يكن كل شيء في وقت متأخر من الليل في مقهى Café de Flore. تلخص اللوحة الجانب المظلم من الحياة في الخارج، بعيدًا عن المنزل والعائلة، ومليئة بالتخيلات الكابوسية للأطفال الشياطين والصراع المستمر بين الحنان والغضب.
إلى 20 يوليو greyartgallery.nyu.edu
